От прекрасного к прекрасному! Исторический экскурс.

[ss-kostenko 5655 14664]

«Неизвестная» – образ собирательный, плод воображения Крамского. И хотя имя этой дамы неизвестно, но, как справедливо заметил один из критиков прошлого столетия, «в ней... сидит целая эпоха»

Всегда и везде читала что остаётся тайной , кто же позировал Крамскому , а сегодня наткнулась на такое , не знаю насколько правдивое мнение :

Это, пожалуй, самое известное произведение Крамского, самое интригующее, остающееся по сей день непонятым и неразгаданным. Назвав свою картину “Неизвестная”, умный Крамской хотел закрепить навеки за ней ореол таинственности. Ее образ вызывал беспокойство и тревогу, смутное предчувствие удручающего и сомнительного нового - появление типа женщины, не вписывавшейся в прежнюю систему ценностей. “Неизвестно: кто эта дама, порядочная или продажная, но в ней сидит целая эпоха”, - констатировали некоторые.

В наше время “Неизвестная” Крамского стала воплощением аристократизма и светской утонченности. Словно царица она возвышается над туманным белым холодным городом, проезжая в открытом экипаже по Аничкову мосту. Ее наряд — шляпа “Франциск”, отделанная изящными легкими перьями, “шведские” перчатки, сшитые из тончайшей кожи, пальто “Скобелев”, украшенное собольим мехом и синими атласными лентами, муфта, золотой браслет — все это модные детали женского костюма 1880-х гг., претендующие на дорогую элегантность. Однако это не означало принадлежности к высшему свету, скорее наоборот — кодекс неписаных правил исключал строгое следование моде в высших кругах русского общества.

Молодую женщину в мехах с высокомерным выражением лица критики назвали «исчадием больших городов». В картине усматривали обличительный смысл.

Однако в лице героини можно увидеть не только надменность, но и грусть, затаённую драму. Современники Крамского были не нашутку заинтригованы, кто же послужил моделью художнику. Но он за семью печатями скрывал имя таинственной женщины. И не поддался на разглашение тайны даже тогда, когда его выносили на руках с выставки восторженные посетители.

И всё же, кто она эта таинственная красавица?

Итак...Поручик, потомственный дворянин Мизюков Дмитрий Андреевич, владевший землями в деревне Чаплыгино под Фатежем в 45 км от Курска, держал в работниках две крестьянские семьи. У главы одной из них, Савелия Павлова, росли две дочери. Младшую при крещении поп нарёк Матрёной-она служила горничной у дворянской четы и слыла в округе не только редкой красавицей, а ещё и славилась своим голосом-пела русские народные так, что послушать её приезжали званные гости из окрестных городов и весей.

Видя, как пышно расцветает Матрёна, супруга Мизюкова, Александра радовалась, ибо понимала: девичья краса-крупный капитал, который, при случае, можно будет выгодно вложить. Случай такой ей вскоре представился, когда супруг приказал долго жить и вдова оказалась в затруднительном положении она продала девушку за 500 рублей статскому советнику Михаилу Бестужеву. Тот увёз её в столицу, поселил в своём поместье. Меценат здраво рассудил, что курский природный брилиант нуждается в изящной оправе и нанял лучших учителей, дабы потомственная крестьянка получила хорошее образование, овладела светскими манерами. Девушка оказалась способной ученицей. Сановитый чиновник любовался воспитанницей со строгим взглядом, внушающим, что её величавая красота недоступна, и .... влюбился. Ценя Ивана Крамсого как тонкого портретиста, он заказал ему свой портет, позируя с юнной супругой. Художник, конечно же, не мог не заметить редкую красоту провинициалки и решил запечатлеть её на века. Он уловил и сумел передать на холсте не только внешнее очарование дамы, но и бездну мыслей и чувств, какое то скрытое страдание души и, конечно же, её загадочный взгляд!

Но семейная жизнь не заладилась, её мужу случалось не раз вызывать слишком ретивых кавалеров на дуэль. Трижды были такие дуэли, но все они к счастью заканчивались примирением. Тем не менее они не могли не портить отношений в семье. К тому же их единственный сын заболел и умер. Всё это побудило родню супруга возбудить ходатайство перед церквью о расторжении "неравного брака". Что и было осуществлено. У "Неизвестной" начались горькие времена.

Колежскую секретаршу Матрёну, ставшую нищенкой, потянуло на родину, к отчей земле. Иван Крамской узнав об этом счёл своим долгом помочь "Неизвестной" собраться в дальнюю дорогу и дал ей денег. При этом условились, что она непременно сообщит ему о своём прибытии на место. Но сообщения так и не последовало. Тогда он сам написал письмо и вновь без ответа. Прибыв в Фатеж художник узнал о несчастье постигшем женщину. Возвращаясь на родину Матрёна заболела в дороге и умерла в земской больнице Фатежа. Хоронили "Неизвестную" на деньги городского общества на кладбище села Миленино. И лишь сердобольный ямщик, увозивший когда то красавицу по московскому тракту в новую жизнь, и он же привёзший её обратно, пока был жив, ходил на могилку, клал к деревянному кресту полевые цветы - голубые васильки.

Недавно узнав эту историю о горестной судьбе красавицы-крестьянки, совсем другими глазами смотрю на знакомый лик "Неизвестной".

[Annette_S 4430 5274]

Девочки, спасибо огромное за невероятно интересную и познавательную тему Пока только успела прочесть историю про "Неизвестную". Повторюсь, очень и очень интересно. В который раз убеждаюсь, что у нас потрясающий форум, сколько же всего нового и увлекательного можно узнать на его страницах

[Веселинка 2478 8726]

В детстве, когда приходила к бабушке, у нее на кухне висела эта репродукция. И я постоянно спрашивала "кто это?", а бабушка неизменно отвечала "Незнакомка", чем очень меня сердила, как это не знать имени. И каждый раз я рассматривала эту картину. Она была маленького размера. Но была очень любимой бабушкой. Сейчас уже и бабушки нет в живых, а я как увижу "Незнакомку", так такое чувство теплоты окутывает и теперь уже сама Незнакомка мне кажется очень и очень знакомой.

А у деда Страницы фотоальбома были переложены журнальными страницами с фотографиями известных картин. Я очень часто брала этот фотоальбом, и большей частью рассматривала сами картины, чем фото. И когда я побыла недавно в Третьяковской галерее, оказывается, я больше половины картин уже знаю и мне знакомы мельчайшие детали на них. Встретилась как будто со старыми знакомыми.

Извините, девочки, что не в тему. Но так захотелось поделиться. Только сейчас поняла, что все эти художественные картины значат для меня больше, чем я сама предполагала.

[Veta 4726 21482]

Холст, масло. 173x136,5 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва

В 1863 г. на академической выставке появляется «Неравный брак» (1862 г.), и имя Пукирева узнает вся Россия, поскольку картина вызывает бурную полемику в прессе. Художнику удалось создать картину, которая была буквально «обречена» на успех. Работа привлекла к себе всеобщее внимание и вызвала самые противоречивые суждения.

Неравный брак. Как много горя и жестоких страданий приносили подобные браки своим жертвам! Сколько трагедий породили они в прошедшие времена! Тема неравного брака не случайно прошла через все русское искусство. В заунывных, исполненных грустью народных песнях плакалась о своей горькой доле русская женщина.

Почерпнутый из самой жизни мотив неравного брака пришел в изобразительное искусство значительно позже, чем в литературу, в 1860-х гг., в эпоху бурного общественного подъема. Именно в эти годы и начал свой творческий путь Пукирев, принадлежавший к славной плеяде тех шестидесятников, которые заложили основы искусства критического реализма. Выходец из крестьянской семьи, Пукирев, хорошо знавший народную жизнь, был захвачен общим демократическим движением и отразил в лучших своих произведениях мысли и чувства, волновавшие передовых людей его времени. Картину «Неравный брак» можно назвать вершиной творчества художника.

...Полутемная приходская церковь. Тонут в окружающем мраке предметы церковной утвари. Лишь присмотревшись, замечаешь причудливые бронзовые завитки тяжелого паникадила, тускло поблескивающую позолоту на царских вратах да едва проступающие на них силуэты темных икон. Сильный поток света, падающий из невидимого источника откуда-то слева, из-за пределов холста, врывается в темноту, резко освещая центральную группу – жениха, невесту и священника.

Все предельно ясно говорит о неравном браке. Это понятно зрителю с первого взгляда на картину. Что привело сюда столь юную, трогательную в своей прелести и чистоте девушку, что заставило ее связать свою жизнь со стариком? Сухая расчетливость и черствый эгоизм сквозят в чертах его лица. Он человек без сердца, без души, и брак, в который он вступает, не что иное, как прихоть престарелого сластолюбца, своеволие богатого самодура. Уже сейчас с его полуоткрытых губ готовы сорваться холодные, жестокие слова, осуждающие слезы и отчаяние его бедной невесты.

В основу работы над картиной художником было положено действительное событие – история несчастной любви друга Пукирева СМ. Варенцова. За год до создания картины состоялось обручение богатого фабриканта, уже достаточно пожилого, с молоденькой девушкой из бедной семьи, некой С.Н. Рыбниковой, возлюбленной СМ. Варенцова. По неким причинам девушка вышла замуж не за любимого человека, а за богача-фабриканта, на долю же ее возлюбленного выпала роль шафера на этой свадьбе.


Взяв за основу реальное событие, художник не ограничился протокольным его изображением. Жизненный факт он подчинил своему творческому замыслу, основывавшемуся на социальном обобщении. Пукирев сделал жениха значительно старше и дряхлее, чем тот был на самом деле, невеста же выглядит почти ребенком. Вопиющая несправедливость неравного брака стала восприниматься с наглядной убедительностью. Кроме того, стремясь передать отрицательные свойства героя, Пукирев превращает его из фабриканта в штатского генерала-чиновника, от которого так и веет чем-то казенным, сухим, чопорным. Как резки и неприятны глубокие морщины его длинного, черствого, дряхлого лица! Особенно неподвижным и застывшим кажется оно, зажатое тугим и жестким воротником. На шее жениха орденский Крест Владимира II степени, а на груди сияет соответствовавшая этому ордену звезда. Он преисполнен сознания собственной значительности. Видя слезы невесты, он даже и головы не повернул в ее сторону и, лишь скосив глаза, шепотом высказывает ей свою досаду.

С той же целью контрастного противопоставления Пукирев написал полный очарования образ юной невесты. Нежный овал ее миловидного лица, шелковистые русые волосы, изящный маленький рот – все в ней полно девичьей прелести. Особенно трогательной и чистой кажется она в свадебном наряде. Резко контрастируя с жесткой ризой священника, почти невесомо легкими представляются прозрачная кисея ее фаты и нежная пена кружев ее платья.

Лицо шафера было легко узнаваемым – Пукирев писал его с натуры. В другом же мужчине, справа от невесты, угадываются черты самого художника.

Должно быть, до последнего мгновения девушка надеялась на что-то, что помешает этому ужасному для нее браку. Теперь, когда обряд венчания подходит к концу, нечего более ждать. Опустив заплаканные глаза с припухшими от слез веками, не глядя на священника, она, почти лишаясь сил, медленно, точно в полусне, не замечая, что свеча, которую она держит в своей упавшей руке, почти касается пламенем ее платья, протягивает другую свою руку священнику, чтобы тот тяжелым обручальным кольцом навсегда сковал ее судьбу с этим чуждым ей, нелюбимым человеком. Картину купил П.М. Третьяков, Академия художеств присвоила Пукиреву звание профессора живописи народных сцен.

[margo5791 329 1577]

[Veta 4726 21482]

Рафаэль Санти

Мадонна в кресле

1514г, дереве, масло , диаметр 71 cм
Галерея Палатина, Дворец Питти (Palazzo Pitti), Флоренция, Италия

Вероятно, наиболее известная из Мадонн Рафаэля — это ”Мадонна в кресле” (Madonna Della Sedia). Такое название она получила потому, что мать бога сидит в кресле. Рассказывают удивительную историю о том, как была написана эта картина. Рассказ примерно таков. Много лет назад в тихой долине в Италии жил отшельник. Он пользовался большой любовью всех жителей окрестных поселений, потому что он учил их и помогал им в болезнях и невзгодах. Его хижина стояла под дубом-великаном, чьи ветви спасали его от летнего зноя и пронизывающего зимнего ветра. Ветви дерева, беспрестанно двигаясь, издавали лёгкий шорох, и казалось, что дерево разговаривает с ним, поэтому он говорил, что у него два сердечных друга, один, который умеет говорить, а второй немой. Под тем, кто умеет говорить, он подразумевал дочь виноградаря, жившего неподалёку, которая была очень добра к нему. Говоря о немом друге, он имел в виду своё пристанище-дуб.

И вот однажды, зимой, поднялась сильная буря, и в тот момент, когда отшельник понял, что его хижина больше не сможет противостоять порывам ветра, и он может погибнуть, ему показалось, что его немой друг подзывает его к себе, показывая, что надо спрятаться среди его ветвей. Собрав последние крохи, он вошёл в дерево, и здесь его жизнь, как и жизнь нескольких сотен спрятавшихся здесь птиц, была спасена, хотя хижина его была разрушена. Как раз тогда, когда он думал, что умрёт от голода, Мария, дочь виноградаря, пришла узнать, как дела у друга, и отвести его к себе домой. После этого набожный отшельник, Бернардо, стал молиться о том, чтобы бог каким-то образом прославил его двух друзей.

Время шло. Отшельник умер, старый дуб срубили и сделали из него бочки для вина, прелестная Мария вышла замуж и стала матерью двух мальчиков. Однажды, когда она сидела со своими детьми, мимо проходил молодой человек. Глаза его горели, и самого его можно было принять за поэта или художника, перед глазами которого стоит небесное видение. Случайно взгляд его упал на молодую мать с её двумя детьми. Художник, а это был Рафаэль, замер в созерцании: он узрел своё видение во плоти и крови. Но у него был только карандаш. На чём ему нарисовать эту прекрасную группу? Он схватил чистую крышку с ближайшей винной бочки и набросал на ней несколько штрихов. Затем он пошёл домой и наполнил свой рисунок самыми прелестными красками; с тех пор весь мир числится у него в должниках за то, что он подарил миру своё небесное видение. Так молитва отшельника была услышана. Он прославил двух своих друзей навеки.

[Патриция 2860 3363]

Veta, как красиво!

[Veta 4726 21482]

Veta, как красиво!

В багетке женщина слегка за 60 забирала готовую картину. Я поинтересовалась какой фирмы набор. Она мне ответила, что это схема, подбор ниток, канва 16 черная."Это Вы вышивали?"-спросила я. Она с улыбкой посмотрела на меня и сказала: "Конечно,это мечта всей моей жизни. Очень удивительная картина".

Действительно, красивая легенда и картина.

[Veta 4726 21482]

Может быть немножко не в тему. Но все же.

В Москве, в Третьяковке открылась выставка замечательного русского Художника Михаила Нестерова Другая Россия Михаила Нестерова

В Государственной Третьяковской галерее открывается выставка религиозного русского художника. В последний раз его работы видели здесь в 1962-м

Видение отроку Варфоломею, 1890 г.

Выставка — целых 200 полотен, многие экспонируются впервые — приурочена к 150-летию со дня рождения Нестерова. Судьба художника удивительна — став моральным авторитетом еще в царской России, он пришелся ко двору и после революции и был даже удостоен Сталинской премии. При этом всю жизнь Нестеров оставался убежденным монархистом и ненавистником революционных преобразований.

Михаил Нестеров, фотография 1900–х гг.

Видение отроку Варфоломею

Слава к Нестерову пришла в 1890 году, когда на XVIII Передвижной выставке он представил свою работу «Видение отроку Варфоломею», открывшую цикл картин, посвященных Сергию Радонежскому. Сюжет довольно прост и взят из «Жития преподобного Сергия»: как-то семилетний Варфоломей (будущий св. Сергий Радонежский) никак не мог найти потерявшихся лошадей. Под дубом он увидел старца и поделился с ним своей бедой. Старец выслушал мальчика, достал просфору и сказал: «Возьми, чадо, съешь: сия дается тебе в знамение благодати Божией и разумения Святого Писания». Картина стала сенсацией выставки, на которой ее приобрел для своей галереи Павел Третьяков. Однако история успеха была очень непростой.

Нестеров начал писать картину во Франции, а закончить решил в родной Уфе. Но уже наполовину завершенная работа погибла — художник по неосторожности порвал холст. Пришлось все начинать сначала. Работу хвалят друзья Нестерова — Левитан, Архипов, Суриков… К ней присматривается «сам» Третьяков. Нестеров вспоминал: «А вот и Павел Михайлович заехал. Сидел с час. Заметил, что огород я «тронул», стало хуже. При нем же стер: стало лучше… Павел Михайлович успокоился… Друзья в истории с огородом видят, что Павел Михайлович считает картину своей, он боится, чтобы я ее не испортил».

Однако когда выставка открылась, главные идеологи передвижничества — критик Стасов, художник Мясоедов, писатель Григорович и издатель Суворин — признали картину вредной, как вспоминает Нестеров, подрывающей рационалистические устои, с таким трудом укреплявшиеся передвижниками, и требовали это зло «вырвать с корнем». Они предложили Третьякову отказаться от покупки «Варфоломея». «Эта картина попала на выставку по недоразумению, — сказал Третьякову Стасов, — ей на выставке Товарищества передвижников не место. Вредный мистицизм, отсутствие реального, этот нелепый круг (нимб) вокруг головы старика…» Мясоедов даже пытался уговорить Нестерова закрасить золотой венчик на портрете старца, убеждая автора в том, что «это абсурд, бессмыслица даже с точки зрения простой перспективы».

За Волгой. Пастушок. 1922 г.

Чарующий ужас

В своих православных работах Нестеров во многом шел от иконы, он использовал русский пейзаж как фон для религиозных переживаний, впустил в пространство картины мистику, которая была так чужда передвижникам, диктовавшим моду на искусство. Допустимо ли рисовать золотой нимб в светском произведении? Не превращается ли живопись в церковный образ? Эти вопросы волновали не только художников и критиков, но и зрителей.

Александр Бенуа, вообще-то критически относившийся к Нестерову, писал об этой картине: «Чарующий ужас сверхъестественного был редко передан в живописи с такой простотой средств и с такой убедительностью… Но самое чудное в этой картине — пейзаж, донельзя простой, серый, даже тусклый и все же торжественно-праздничный. Кажется, точно воздух заволочен густым воскресным благовестом, точно над этой долиной струится дивное пасхальное пение».

Нестеров с такой страстью и неистовством отдавался работе над этим полотном, что близкие даже боялись за его самочувствие. Художник видел сны, которые можно назвать вещими: например, он поднимается по высокой крутой лестнице до самых облаков. Его мать трактовала этот сон недвусмысленно: подъем и слава будут связаны с картиной, над которой сын работает. Или же Нестерову приснилось, что его «Варфоломей» висит в Ивановском зале Третьяковской галереи. А когда спустя год художник оказался в Третьяковке, картина и впрямь была на том самом месте, которое он видел во сне.

„

«Не стало великой, дорогой нам, родной и понятной России. От ее умного, даровитого, гордого народа осталось что-то фантастическое, грязное, низкое. Одна черная дыра»

”

Свободный художник

Михаил Нестеров родился 19 мая 1862 года в Уфе в купеческой семье. В семье было 12 детей, выжили только двое. Мать считала, что ее Миша остался в живых лишь благодаря заступничеству святых: младенец родился болезненным и был по всем признакам «не жилец». Его лечили народными средствами, довольно радикальными — сначала клали в горячую печь, потом держали в снегу на морозе. Однако лечение не помогло, ребенок умирал, и тогда его положили под образа с небольшой иконкой Тихона Задонского на груди. Родители уже привычно готовились заказать место на кладбище, когда мать младенца заметила, что он очнулся. Эта иконка потом хранилась в семье Нестерова как реликвия.

С раннего детства мальчик проявил большую склонность к рисованию. Он учится в Москве и Петербурге, дружит с Левитаном и Коровиным и в 1885 году после окончания московского Училища ваяния и зодчества получает звание свободного художника. В этом же году, будучи в Уфе на каникулах, Нестеров встретился с юной Марией Ивановной Мартыновской и влюбился сразу и безоглядно.

Вернувшись в Петербург, Нестеров тяжело заболел, Мария Ивановна бросилась тотчас же в столицу ухаживать за суженым. Там они позже и обвенчались, родилась дочь, а Мария умерла родами. Эта трагедия на всю жизнь стала тяжелейшим воспоминанием, образ Марии навсегда запечатлелся в памяти художника, и во многих женских портретах мы можем увидеть ее черты. Написав портрет жены в подвенечном платье, Нестеров вспоминал: «Очаровательней, чем была она в день свадьбы, я не знаю лица до сих пор…»

На Руси (Душа народа), 1914–1916 гг.

«Голгофа»

Вплоть до революции Нестеров неустанно создает образы «святой Руси», той России, которая являлась его внутреннему взору. В первую очередь это цикл картин, посвященных жизнеописанию св. Сергия Радонежского (позднее они были подарены художником Третьяковской галерее), на рубеже веков он создает свое монументальное полотно «Святая Русь» (1901–1905), а перед Октябрьской революцией заканчивает «На Руси» («Душа народа») (1915–1916). Эти произведения объединяет стремление автора «перевести» сюжет почитаемой им картины Александра Иванова «Явление Христа народу» на русскую почву, к теме Христа среди русских пейзажей Нестеров регулярно обращается в своем творчестве.

«Если бы русское общество верно оценило Нестерова в пору его юности, — писал Бенуа на рубеже XIX и XX веков, — он был бы цельным и чудным художником. К сожалению, успех толкает его все более и более на скользкий для истинного художника путь официальной церковной живописи».

Среди картин, которые будут представлены на выставке в Третьяковской галерее впервые, — знаменитая «Голгофа». Картина в свое время была с непониманием встречена современниками, которые сочли ее слишком мрачной (аналогичный сюжет у Ге вообще был запрещен к показу), ведь общий тон полотна никак не вязался с доминирующей в обществе эйфорией. Нестеров закончил «Голгофу» в 1900 году и выставлял ее в Москве, Петербурге и Харькове.

Судьба картины примечательна. Когда в ходе Русско-японской войны 1904 года японцами был взорван русский броненосец «Петропавловск», на котором погибли адмирал Макаров и художник Верещагин, «Голгофу» автор пожертвовал на нужды Красного Креста. Картина была выкуплена неизвестными лицами и на долгие годы пропала из поля зрения. Нашлась она в 1957 году без подрамника и с поврежденным красочным слоем.

Голгофа, 1900 г.

Черная дыра

Революция стала огромным испытанием для Нестерова. Он не эмигрировал, надеялся и ждал, что наваждение рассеется: «Пережитое за время войны, революции и последние недели так сложно, громадно болезненно, что ни словом, ни пером я не в силах всего передать. Вся жизнь, думы, чувства, надежды, мечты как бы зачеркнуты, попраны, осквернены. Не стало великой, дорогой нам, родной и понятной России. От ее умного, даровитого, гордого народа осталось что-то фантастическое, варварское, грязное, низкое. Одна черная дыра, и из нее валят смрадные испарения «товарищей» — солдат, рабочих, всяческих душегубов и грабителей…»

В 1920 году Нестеров лишается мастерской — прежняя, на Новинском бульваре в доме князя Щербатова, была разорена большевиками. Две комнаты в своей квартире на Сивцевом вражке ему отдает старшая дочь Ольга. Именно сюда, вплоть до смерти художника, приходили его гости — представители недобитой интеллигенции, составлявшей круг его общения. На стене висели его любимые картины — портрет Сергия Булгакова и Павла Флоренского, семейные портреты.

Другие работы были бережно упакованы и стояли, как вспоминает его внучка, за кроватью. Иногда художник менял экспозицию. Одну из своих картин, «Страстная седмица» (1933), в целях безопасности он даже датировал дореволюционным 1913 годом и уменьшил формат таким образом, чтобы ее можно было спрятать за шкафом.

В том же 1920 году Нестерова ненадолго арестовывают: художник хранил у себя протоколы заседаний религиозного философского общества (члены которого были высланы из страны), он прятал их, завернув в ковры, лежащие в ванной комнате. «Я знал, что он остался в Москве при большевиках, и знал его ненависть к ним, мне было всегда за него страшно», — вспоминал князь Сергей Щербатов.

Портрет И.П. Павлова, 1935 г.

Мастер и тиран

Отношения со Сталиным — особая глава в жизни художника. В 1933 году Нестерова совершенно неожиданно приглашают принять участие в выставке «Художники РСФСР за XV лет», где он после долгих размышлений выставляет только две работы — портрет братьев Кориных (1930) и небольшой портрет сына. В 1935 году случается и вовсе невероятное: персональная выставка (состоявшая из 16 картин). В одном из писем Нестеров пишет: «Последний месяц для меня был очень суетливый: Бубнов (нарком просвещения РСФСР. — Ред.) был у меня и уговаривал сделать мою выставку… Выставка должна быть «закрытой» (бесплатной), для художников и приглашенных. Продолжаться должна только три дня… Пригласительных билетов было разослано тысячи три-четыре. Седьмого уже закрытую выставку посетил М. Горький, с которым мы не встречались тридцать два года».

Выставка была встречена любителями искусства и критикой с большим интересом, хотя позиция художника как человека глубоко религиозного очень ощущалась в выставленных работах. Это мировоззрение вполне описывается словами великой пианистки Марии Юдиной, сказанными о себе, но применимыми и к Нестерову: «Я знаю лишь один путь к Богу — через искусство. Не утверждаю, что этот путь универсальный. Я знаю, что есть и другие дороги, но чувствую, что мне доступен лишь этот. Все божественное, духовное впервые явилось мне через искусство… Я должна неизменно идти по пути духовных созерцаний, собирать себя для просветления, которое придет однажды. В этом — смысл моей жизни».

Но вот наступает 1937-й: в присутствии Нестерова арестовывают его дочь Ольгу с мужем. Муж его другой дочери Натальи, пушкинист и основатель музея-квартиры Пушкина на Мойке, расстрелян. Нестеров хлопочет о родных через Екатерину Пешкову, просит поговорить об их судьбе с Алексеем Толстым художника Корина, работавшего над портретом «красного графа», пишет письма Сталину.

В 1941 году — очередной зигзаг судьбы: Нестерову за портрет физиолога Павлова присуждают Сталинскую премию I степени, а на следующий год в связи с восьмидесятилетием — звание заслуженного деятеля искусств РСФСР, награждают орденом Трудового Красного Знамени.

По разным мемуарам гуляет история, пересказанная Даниилом Граниным, о том, как Нестеров отказался писать сталинский портрет: будто бы Сталин сам позвонил художнику с этим заманчивым предложением, на что тот ответил: «Я не могу. Мне уже давно не нравится ваше лицо».

[Veta 4726 21482]

Царевна-Лебедь
1900 год. Третьяковская галерея, Москва.
Холст, масло.

Силу богатырского эпоса Врубель чувствовал, но, вероятно, ему ближе были образы более хрупкие и лирические, «тающие и ускользающие», подобные тем, что создавала на сцене его жена. Большая вереница сказочных произведений венчается двумя знаменитыми картинами, которые непременно вспоминаются каждому, кто хоть сколько-нибудь знает живопись Врубеля: «Пан», написанная в 1899-м, и, наконец, в завершение — «Царевна-Лебедь» в 1900 году.
О достоинствах «Царевны-Лебедь» высказываются разные суждения — не все согласны считать ее шедевром. В ней нет той безмятежности, которая так трогательна в «Морской Царевне» — в сказочный мир вдруг вкрадывается тревога, вещие предчувствия. А. П. Иванов говорил об этой картине: «Не сама ли то Дева-Обида, что, по слову древней поэмы, «плещет лебедиными крылами на синем море» перед днями великих бедствий?»

Да, врубелевская Царевна-Лебедь скорее ведет свое происхождение от Девы-Обиды «Слова о полку Игореве», чем от героини пушкинской «Сказки о царе Салтане» или оперы Римского-Корсакова на этот сюжет. У Пушкина и Римского-Корсакова она дневная, светлая. Царевич Гвидон спас ее от злого коршуна, она становится женой Гвидона и все устраивает к общему счастью. На картине Врубеля загадочная птица с ликом девы едва ли станет женой человека, и благополучия не обещает ее томный прощальный взор, ее жест руки, предостерегающий, призывающий к молчанию. Настроение картины тревожное: сгущаются синие сумерки, видна багряная полоса заката и какие-то недобрые красные огни вдалеке — не такие, как в ясном городе Леденец. Царевна не приближается — она уплывает во тьму и только в последний раз обернулась, чтобы сделать свой странный знак предостережения.

Необыкновенно красиво ее лицо — действительно, «красота неописанная» сказочных царевен, и ее волшебно-мерцающее оперение, дымчатое, отливающее розовым, и воздушная фата, и жемчуга кокошника, и блистающие драгоценные перстни. Все даже «слишком красиво» — может быть, потому эта картина и не всем теперь нравится. Ее упрекают в театральности. Но, думается, она не более и не менее театральна, чем другие фантастические картины Врубеля: в его «волшебном театре» «Царевна-Лебедь», пожалуй, представляет кульминацию, увенчание и конец сказочной темы. Никаких прямых связей со сценической трактовкой «Царя Салтана» в картине нет, и сама царевна даже не похожа на Н. И. Забелу — совсем другое лицо, в отличие от «Морской Царевны», где портретное сходство несомненно. Н. А. Прахов находил в лице Царевны-Лебеди сходство с его сестрой, Е. А. Праховой. Вероятнее всего, Врубель придумал лик Царевны, в котором отдаленно отразились и слились черты и его жены, и дочери когда-то любимой им женщины, а может быть, и еще чьи-то.

Картину «Царевна-Лебедь» особенно любил Александр Блок. Фотография с нее всегда висела у него в кабинете в Шахматове. Ею навеяно большое стихотворение с подзаголовком «Врубелю». Каких-либо прямых «иллюстративных» перепевов врубелевских образов в нем нет — поэтические представления возникают ассоциативно, внушаются, будятся картиной, ее переливами и вспышками красок, ее атмосферой неясных пророчеств, прощания с былым, предчувствия нового...

Дали слепы, дни безгневны,
Сомкнуты уста.
В непробудном сне царевны,
Синева пуста.
Были дни — над теремами
Пламенел закат.
Нежно белыми словами
Кликал брата брат...

Видится волшебный всадник:

Белый конь, как цвет вишневый...
Блещут стремена...
На кафтан его парчовый
Пролилась весна.
Пролилась — он сгинет в тучах,
Вспыхнет за холмом...

Предчувствуются смятения:

Будут вёсны в вечной смене
И падений гнет.
Вихрь, исполненный видений,
— Голубиный лет...
Что мгновенные бессилья?
Время — легкий дым...
Мы опять расплещем крылья,
Снова отлетим!
И опять, в безумной смене
Рассекая твердь,
Встретим новый вихрь видений,
Встретим жизнь и смерть!

Это писал еще юный Блок, автор «Стихов о Прекрасной Даме» и «Нечаянной радости»; писал, стоя на распутье, прощаясь с мистическими идиллиями своей молодости. «С Врубелем я связан жизненно», — скажет он позже.

Врубель ничего об этом не знал — не знал ни Блока, ни вообще молодую русскую поэзию; он любил Римского-Корсакова, Тургенева, Чехова, Ибсена, у него был свой «вихрь, исполненный видений», и свои прощания. «Царевной-Лебедь» он прощался с «безгневностью», бестревожностью русского эпоса — прекрасная царевна уплывала, кончалась сказка, и снова настойчиво звал Демон, тот «монументальный Демон», который был отложен на будущее.

[Ofelia 2559 4873]

Моделью волшебной Девы-птицы служила обожаемая жена художника. К сожалению, в их жизни было много горя. Именно искусство подарило им наивысшее счастье.

В декабре 1895 года в петербургском Панаевском театре гастролировала труппа московской Частной оперы С. И. Мамонтова. Как-то в перерыве одной из репетиций молодая солистка Надежда Забела что-то вполголоса обсуждала за кулисами с Татьяной Любатович. Вдруг откуда-то стремительно появился невысокий мужчина, склонился к рукам Забелы и, целуя их, восторженно прошептал: "Прелестный голос!" Та от неожиданности вздрогнула и отшатнулась. "Это художник Михаил Александрович Врубель, - поспешила исправить неловкое положение Любатович, - человек очень экспансивный, но вполне порядочный". Врубель выпрямился, поднял голову и посмотрел Забеле прямо в глаза. Его лицо озарилось чудесной мягкой улыбкой.

Забеле исполнилось тогда 27 лет, в театре на нее возлагали большие надежды. Михаила Врубеля - 39-летнего художника - знали только в узком кругу специалистов. Намерения Врубеля относительно Надежды с самого начала оказались абсолютно серьезны. Очень скоро с его стороны последовало предложение руки и сердца. Она ответила согласием.

Свадьба состоялась в Женеве 28 июля 1896 года. Вскоре молодожены едут в Харьков, где у Надежды Ивановны были гастроли. В этом сезоне Врубель впервые близко соприкоснулся с миром театра и пленился им раз и навсегда. Впоследствии его работы по оформлению сцены, его декорации к спектаклям будут вызывать восхищение и зрителей, и критики, а пока он начал с малого - с создания костюмов для супруги.

Зимой 1897 года состоялось знакомство четы Врубелей с Николаем Андреевичем Римским-Корсаковым. Композитор увидел певицу в собственной опере "Садко" и был просто очарован. Красавицей Надежду Ивановну никто бы не назвал, но ее грациозность, хрупкость о, раз увидев это существо, не обольститься им на всю жизнь! Эти широко расставленные сказочные глаза, пленительно женственная, зазывно-недоуменная улыбка, тонкое и гибкое тело и прекрасные, длинные руки", - восторгался М. Ф. Гнесин.

Надежда Ивановна Забела родилась в 1868 году в Ковно (Каунасе). Училась в Киевском институте благородных девиц, в 1891 году окончила Петербургскую консерваторию. Еще участвуя в консерваторском спектакле, она заслужила лестный отзыв самого Петра Ильича Чайковского. После консерватории Надежда Ивановна несколько лет выступала за границей, совершенствуя свое мастерство. Вернувшись в Россию, пела в провинциальных оперных труппах.

Творческое содружество трех больших мастеров - композитора, певицы и художника - очень скоро принесло обильные плоды. Врубель, будучи художником-постановщиком многих спектаклей, пишет навеянные этой работой картины "Царевна Волхова" и "Прощание царя морского с царевной Волховой" (1898), в 1899-1900 годах создает несколько майоликовых вариантов Волховы, в 1904-м - еще одну "Царевну Волхову".

В 1898 году Н. И. Забела-Врубель поет на сцене театра С. И. Мамонтова в операх Н. А. Римского-Корсакова "Псковитянка", "Майская ночь", "Снегурочка". Говорили, что при этом зрители видели на сцене не просто исполнительницу роли, но саму Снегурочку, дочь Весны и Мороза. Возвышенная женственность, благородство жестов и поз, чистота и целомудрие облика... Забелу так и звали потом - "певица Римского-Корсакова".

В 1900 году москвичи увидели новую оперу композитора - "Сказку о царе Салтане". Роль Царевны-Лебедь предназначалась, конечно же, Забеле, оформлял действо Врубель.

"Миша очень отличился в декорациях "Салтана", и даже его страшные враги - газетчики - говорят, что декорации красивы, а доброжелатели прямо находят, что он сказал новое слово в этом жанре", - сообщала Надежда Ивановна сестре.

Весной 1900 года, когда она только разучивала партию, Врубель создал свое знаменитое полотно "Царевна-Лебедь", с поразительным вдохновением и силой передав в нем все своеобразие, красоту и обаяние облика Забелы в этой роли.

[Veta 4726 21482]

Рафаэль был счастливым художником Поглощенный обилием почетных и грандиозных заказов, прославляемый своими почитателями, он работал быстро и радостно Никогда творчество не было для него горькой мукой.

Современные Рафаэлю гуманисты считали, что для того, чтобы быть понятными народу, поэт должен изъясняться на языке «vulgare» В тех же целях некоторые художники Возрождения обращались к старинным народным преданиям и расцвечивали их красками своего воображения.
На картине Рафаэля явление Мадонны умершему папе Юлию II превратилось в явление ее людям, о котором и рассказывалось в старинных сказаниях В таких легендах находили свое выражение чаяния народа о справедливости, желание и потребность простых людей представить небесную царицу и покровительницу в непосредственной близости Однако Рафаэль не ограничился только пересказом средневековой легенды.

В истории создания самого знаменитого произведения Рафаэля до сих пор многое окутано тайной Некоторые искусствоведы считают, что его Мария почти лишилась ореола святости на голове ее не мерцает корона, за ней не держат парчовых тканей Наоборот, на ней покрывало и плащ из гладкой ткани, ноги ее босы, и в сущности это простая женщина Недаром многим бросалось в глаза, что и младенца она держит так, как обычно держат их крестьянки Но эту босоногую женщину ветре чают, как царицу — владычицу небесную Папа Сикст снял перед ней тиару и бережно поставил ее в углу. Земной владыка, как волхвы перед рождественскими яслями, обнажил свой лоб, и перед зрителем предстает почти дрожащий от волнения старичок.

Другие исследователи полагают, что в этой торжественной Мадонне, наоборот, нет ничего земного это божество, облеченное в человeческую форму Лицо ее еще напоминает знакомые черты Форнарины, но черты преобразованные Окруженная сонмом ангелов, стоя на облаках, Мадонна представляет миру своего божественного Сына.

Разные поколения, разные люди усматривали в «Сикстинской мадонне» каждый свое Одни видели в ней только религиозное содержание, другие - скрытую в ней нравственную философию, третьи ценили в ней художественное совершенство Но три этих аспекта неотделимы друг от друга

«Сикстинскую мадонну» Рафаэль создал около 1516 года. К этому времени им было написано уже много картин с изображением Богоматери. Совсем молодым Рафаэль прославился как удивительный мастер и несравненный поэт образа Мадонны. В петербургском Эрмитаже хранится «Мадонна Конестабиле», которую создал семнадцатилетний художник. В Галерее Питти находится его «Мадонна в кресле», в Музее Прадо — «Мадонна с рыбой», в Ватиканской пинакотеке — «Мадонна дель Фолиньо», другие мадонны стали сокровищами других музеев. Но когда пришло время написать главное свое произведение, Рафаэль оставил ученикам своим многочисленные работы в Ватиканском дворце, чтобы собственноручно написать для монастырской церкви Святого Сикста в далекой Пьяченце запрестольный образ.

Алтарные образы писались тогда на доске, но эту свою мадонну Рафаэль написал на холсте. Сначала «Сикстинская мадонна» находилась в полукруглом хоре монастырской церкви (ныне не существующем), и возвышающаяся фигура Богоматери издалека казалась парящей в воздухе. В 1754 году картина была приобретена королем Августом III Саксонским и привезена в его дрезденскую резиденцию. Двор саксонских курфюрстов заплатил за нее 20 000 цехинов — немалую по тем временам сумму. И теперь, когда посетители знаменитой Галереи ближе подходят к картине, их сильнее охватывает новое впечатление. Богоматерь уже не парит в воздухе, а как бы идет навстречу вам

Парапет внизу картины — единственная преграда, которая отделяет мир земной от мира небесного. Как наяву раздвинулся в стороны зеленый занавес, и Мария с божественным сыном на руках является вашему взору. Она идет, и чудится, что вот сейчас Богоматерь перешагнет парапет и ступит на землю, но мгновение это длится вечно. Мадонна остается неподвижной, всегда готовой спуститься и всегда недоступной.

В картине нет ни земли, ни неба, нет привычного пейзажа или архитектурной декорации в глубине. Все свободное пространство между фигурами заполнено облаками, более сгущенными и темными внизу, более прозрачными и лучезарными вверху. Грузная старческая фигура святого Сикста, утопающая в тяжелых складках золототканого папского облачения, застыла в торжественном поклонении. Его протянутая к нам рука красноречиво подчеркивает главную идею картины — явление Богоматери людям.

С другой стороны склонилась святая Варвара, и обе фигуры словно поддерживают Марию, образуя вокруг нее замкнутый круг. Эти фигуры некоторые называют вспомогательными, второстепенными, но если убрать их (хотя бы только мысленно) или даже чуть изменить их положение в пространстве, — сразу разрушится гармония целого. Изменятся смысл всей картины и сам образ Марии.
Благоговейно и нежно Мадонна прижимает к груди сына, сидящего у нее на руках. Ни мать, ни дитя нельзя представить отдельно друг от друга, их существование возможно только в нерасторжимом единстве. Мария — заступница человеческая — несет навстречу людям своего сына. В ее одиноком шествии выражена вся та скорбная и трагическая жертвенность, на которую обречена Богоматерь.

Мир «Сикстинской мадонны» необычайно сложен, хотя, на первый взгляд, в картине ничто не предвещает беды. И, однако, зрителя преследует ощущение надвигающейся тревоги. Поет сладкоголосый хор ангелов, заполнивших небо (фон холста) и славящих Марию. Не отрывает восторженного взора от Богоматери коленопреклоненный Сикст, смиренно опустила очи святая Варвара. Кажется, ничто не угрожает покою Марии и ее сына. Но бегут-бегут тревожные тени по складкам одежд и драпировок Клубятся облака под ногами Мадонны, само сияние, окружающее ее и богомладенца, сулит бурю.

Все взоры действующих лиц картины направлены в разные стороны, и только Мария с божественным младенцем смотрят на нас. Рафаэль изобразил на своем полотне чудесное видение и совершил, казалось бы, невозможное. Вся картина полна внутреннего движения, озарена трепетным светом, как будто таинственное свечение излучает сам холст. Свет этот то еле брезжит, то сияет, то почти сверкает. И это предгрозовое состояние отражается на лице младенца Христа, его лик полон тревоги. Он словно видит зарницы надвигающейся грозы, в его недетски суровых глазах виден отблеск далеких бед, ибо «не мир принес Я вам, но меч...». Он приник к материнской груди, но беспокойно всматривается в мир. . Русский поэт Н. Огарев говорил о Рафаэле:
«Как он понял этого ребенка, грустного и задумчивого, который "Предчувствует свою великую будущность».

Рассказывают, что «Сикстинскую мадонну» Рафаэль писал в то время, когда сам переживал тяжелое горе. И потому всю свою печаль вложил в божественное лицо своей Мадонны — наисовершеннейшее воплощение идеала в христианстве. Он создал самый прекрасный образ Богоматери, соединив в нем черты высшей религиозной идеальности с высшей человечностью.

«Сикстинской мадонной» давно восхищаются, и о ней сказано много прекрасных слов. А в прошлом веке русские писатели и художники, как на паломничество, отправлялись в Дрезден — к «Сикстинской мадонне». Они видели в ней не только совершенное произведение искусства, но и высшую меру человеческого благородства.

В.А. Жуковский говорит о «Сикстинской мадонне» как, воплощенном чуде, как, поэтическом откровении и признает, что создана она не для глаз, а для души: «Это не картина, а видение; чем дольше глядишь, тем живее уверяешься, что перед тобой что-то неестественное происходит...
И это не обман воображения: оно не обольщено здесь ни живостью красок, ни блеском наружным. Здесь душа живописца, без всяких хитростей искусства, но с удивительной легкостью и простотою передала холстине то чудо, которое во внутренности ее совершилось». А.С. Пушкин знал картину по гравюрному воспроизведению, и она произвела на него очень сильное впечатление. Поэт неоднократно вспоминал о рафаэлевском шедевре, и, воспевая задумчивые глаза застенчивой красавицы, он уподобляет ее ангелу Рафаэля.

Самым восторженным почитателем «Сикстинской мадонны» среди русских писателей был Ф.М. Достоевский. Однажды он горячо возмущался, когда в его присутствии некий художник профессиональным языком стал разбирать художественные достоинства картины. Многие герои романов писателя характеризуются через их отношение к Мадонне Рафаэля.
Например, в духовном развитии Аркадия («Подросток») глубокий след оставляет увиденная им гравюра с изображением Мадонны.
Жена губернатора Юлия Михайловна («Бесы») два часа провела перед картиной, но, как дама светская, ничего в ней не поняла.
Степан Трофимович, наоборот, чувствует настоятельную потребность писать об этом шедевре, но ему так и не суждено было выполнить свое намерение.
Свидригайлов («Преступление и наказание») вспоминает лицо Мадонны, которую он именует «скорбной юродивой», и это высказывание позволяет читателю увидеть всю глубину его нравственного падения.

«Сикстинскую мадонну» внимательно изучали и русские художники.
Карл Брюллов восхищался: «Чем больше смотришь, тем больше чувствуешь непостижимость сих красот: каждая черта обдумана, преисполнена выражения грации, соединена со строжайшим стилем».
А. Иванов копировал ее и мучался от сознания своей неспособности уловить ее главное обаяние.
Крамской в письме жене признавался, что лишь в оригинале заметил многое такое, что не заметно ни в одной из копий. Особенно занимал его общечеловеческий смысл создания Рафаэля:
«Это что-то действительно почти невозможное...
Была ли в действительности Мария такая, какою она здесь изображена, этого никто никогда не знал и, разумеется, не знает, за исключением современников ее, которые, впрочем, ничего нам хорошего о ней не говорят. Но такою, по крайней мере, создали ее религиозные чувства и верования человечества... Мадонна Рафаэля действительно произведение великое и действительно вечное, даже и тогда, когда человечество перестанет верить, когда научные изыскания... откроют действительно исторические черты обоих этих лиц6... и тогда картина не потеряет своей цены, а только изменится ее роль».

...А в годы Второй мировой войны человечество навсегда могло бы потерять шедевр Рафаэля. Перед своим крахом гитлеровцы спрятали картины знаменитой Дрезденской галереи в сырых известняковых шахтах и готовы были вообще взорвать и уничтожить бесценные сокровища, лишь бы те не попали в руки русских. Но по приказу советского командования солдаты Первого Украинского фронта два месяца вели поиск величайших шедевров Галереи.
«Сикстинская Мадонна» великого Рафаэля находилась в ящике, который был сделан из тонких, но прочных и хорошо обработанных планок. На дне ящика был укреплен толстый картон, а внутри ящика — рамка, обитая войлоком, на которой и покоилась картина. Но в дни войны ящик не мог служить надежной защитой. В одно мгновение он мог вспыхнуть, и...
Когда ящик открыли, перед людьми предстала, широко раскрыв лучезарные глаза, женщина дивной, неземной красоты с божественным младенцем на руках. И советские солдаты и офицеры, несколько лет шагавшие тяжелыми дорогами войны, сняли перед ней фуражки и пилотки...

[Juliay 9515 50286]

Девочки, всем доброго времени суток! Вот что увидела сегодня в контакте в группе "Нова слобода" Решила что в этой темке показать будет уместно.

Итак:

Единственная в мире полностью вышитая книга появилась в городе Ровно, Украина. Это «Кобзарь» Тараса Шевченко по факсимильному изданию 1840 года. Трехкилограммовый фолиант больше года по авторским схемам создавали Елена Медведева и Анна Тимошок. Книга хранится в кожаном переплете, специально созданном для нее по старинной японской технологии. Страницы переворачивают только в белых перчатках. В книге 48 страниц, на которых размещены полные тексты восьми произведений великого украинского поэта, и шесть его живописных работ раннего периода в качестве иллюстраций. Текст вышит бэкстичем, а картины – крестом. Некоторые картины состоят более чем из 100 тысяч крестиков.

[Wian 8153 9741]

Девочки, всем доброго времени суток! Вот что увидела сегодня в контакте в группе "Нова слобода" Решила что в этой темке показать будет уместно.

Итак:

Единственная в мире полностью вышитая книга появилась в городе Ровно, Украина. Это «Кобзарь» Тараса Шевченко по факсимильному изданию 1840 года.

Чудо!!!

[vodonika 3820 34714]

Последний день Помпеи — картина Карла Брюллова, написанная в 1830—1833 годах.

Брюллов посетил Помпеи в 1828 году, сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушение города Помпеи близ Неаполя. Полотно выставлялось в Риме, где получило восторженные отклики критиков и переправлено в парижский Лувр. Эта работа стала первой картиной художника, вызвавшей такой интерес за рубежом. Вальтер Скотт назвал картину «необычной, эпической».

Классическая тема, благодаря художественному видению Брюллова и обильной игре светотени, вылилась в работу, на несколько шагов вперёд отстоящую от неоклассического стиля. «Последний день Помпеи» характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и страстной любовью того времени к подобным историческим сюжетам. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора. На полотне также трижды изображена графиня Юлия Павловна Самойлова — женщина с кувшином на голове, стоящая на возвышении в левой части полотна; разбившаяся насмерть женщина, распростёртая на мостовой и рядом с ней живой ребёнок (обоих, предположительно, выбросило из сломавшейся колесницы) — в центре полотна; и мать, привлекающая к себе дочерей, в левом углу картины.

Замысел картины был связан с возникшей тогда модой на археологию и с актуальностью: в 1828 году произошло извержение Везувия. Для более точной и полной передачи трагедии Брюллов тщательно изучил многочисленные литературные источники, в которых рассказывалось о древней катастрофе, и побывал на раскопках в Помпеях и Геркулануме и сделал на месте ряд эскизов пейзажа, руин, окаменелых фигур. Известно, что на полотне изображена часть улицы Гробниц, которую художник изобразил стоя спиной к городским воротам.

В 1834 г. картина «Последний день Помпеи» была отправлена в Петербург. Александр Иванович Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии. Е. А. Баратынский сочинил по этому случаю знаменитый афоризм: «Последний день Помпеи стал для русской кисти первым днём!». Стихотворением откликнулся и А. С. Пушкин: «Кумиры падают! Народ, гонимый страхом…» (эту строку запретила цензура). В России полотно Брюллова воспринималось не компромиссным, а исключительно новаторским произведением.

Анатолий Демидов подарил картину Николаю I, который выставил её в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 году полотно переехало туда, и к нему получила доступ широкая публика.

История отношений Карла Брюллова и графини Самойловой

В 1827 году в Риме, в знаменитом салоне Зинаиды Волконской, Юлия Павловна познакомилась с молодым художником Карлом Брюлловым. Между ними возникла не просто дружба. Летом они вместе путешествовали по Италии и бродили среди руин Помпеи, где и зародился замысел прославившего мастера полотна, упомянутого выше. Благодаря Юлии Брюллов познакомился с людьми из высшего общества. Художник много и с увлечением писал свою возлюбленную.

Позже Юлия Павловна вернулась в Россию и обосновалась в своем имении - Славянке.

Там царила весёлая и непринуждённая атмосфера, звучала музыка, стихи, гости говорили и спорили на любые темы, что не нравилось Николаю I. Графиня Юлия Павловна держала себя предельно независимо. Своим экстравагантным образом жизни и поведением она шокировала петербургское общество.

Шумные собрания в Славянке стали вызывать раздражение у императора. Графине Самойловой дали это понять, Николай I разрешил ей удалиться, при условии не появляться ни в Москве, ни в Петербурге. Юлия Павловна снова уехала в Италию.

Смерть графа Литта в 1839 году заставила её вернуться в Петербург на какое-то время, чтобы вступить в права наследства. Она стала хозяйкой дворцов и вилл, принадлежавших роду Висконти и Литта. В этот приезд она снова встретилась с Карлом Брюлловым. Он в конце 1835 года, когда Самойлова уже уехала в Милан, по предписанию императора возвратился в Россию и занял должность профессора Академии художеств Санкт-Петербурга, начав преподавательскую деятельность. В 1839 году художник женился на Эмилии Тимм, но через 2 месяца развёлся. Юлия Павловна взяла под свою опеку опального Карла Брюллова, чей развод с женой вызвал неудовольствие общества.

В это же время друзья и родные Юлии Павловны пытались помирить её с супругом, но 23 июля 1842 года, за несколько дней до встречи с женой, Николай Самойлов неожиданно умер.

После смерти мужа графиня Самойлова окончательно покинула Россию и поселилась в Италии. Карл Брюллов последовал за ней. Художник подолгу жил у графини на её вилле в Ломбардии. Графиня также владела имением в Груссе (Франция), палаццо в Милане и дворцом на озере Комо. Фрагменты переписки между влюбленными сохранились и свидетельствуют о глубоком чувстве.

У графини Самойловой было две приемные дочери — младшая Амацилия (род. в 1828) и старшая Джованина Пачини, дети обедневшего миланского певца и композитора Джованни Пачини, автора оперы «Последний день Помпеи», произведшей впечатление на Брюллова. Упоминают, что графиня Самойлова, не ограничивавшая себя ничем, была одной из любовниц композитора. Когда Самойлова взяла Амацилию на воспитание — неизвестно, но, судя по картине «Всадница», написанной в 1832 году, уже четырехлетней она жила у нее.

Картина написана в 1832 году по просьбе графини Юлии Павловны Самойловой. В том же году картина была выставлена в Милане, в галерее Брера. И тогда на неё было очень много откликов, которые собрал, перевёл один из верных учеников Брюллова художник Михаил Железнов. Полотно находилось в собрании графини, которое было распродано в 1872 году, незадолго до смерти разорившейся Самойловой.

В 1896 году «Всадница» была приобретена для галереи П. М. Третьякова. Сначала предполагалось, что на картине изображена сама графиня, но искусствоведы доказали, что это не так, сравнивая картину с более поздними произведениями Брюллова «Портрет графини Ю.П. Самойловой с воспитанницей Джованниной и арапчонком» и «Портрет графини Ю.П. Самойловой, удаляющейся с бала с приёмной дочерью Амацилией». На картине изображены две воспитанницы графини Самойловой — Джованина и Амацилия Пачини. Амацилия Пачини была дочерью итальянского композитора Джованни Пачини, друга Ю. Самойловой. О Джованине известно мало. Существует версия, что её настоящее имя Джованнине Кармине Бертолотти и она является дочерью Клементины Перри, сестры второго мужа Самойловой. Художник назвал свою работу «Джованин на лошади».

На картине изображена сцена прогулки. Воспитанница Ю. Самойловой Джованнина подъезжает к подъезду дома своей приёмной матери, восседая на вороной лошади. Композиция «Всадницы» полна динамизма. Скакун, разгорячённый ездой, фыркает и поднимается на дыбы, мохнатая собака (на ошейнике которой стоит фамилия заказчицы — «Samoylova») лает, кружась под ногами коня, маленькая Амацилия, одетая в розовое платьице и зелёные туфельки, выбегает встречать её и восхищённо смотрит на свою старшую подругу.

[Veta 4726 21482]

Она давно прошла, и нет уже тех глаз

И той улыбки нет, что молча выражали

Страданье - тень любви, и мысли - тень печали,

Но красоту её Боровиковский спас.

Так часть души ее от нас не улетела,

И будет этот взгляд и эта прелесть тела

К ней равнодушное потомство привлекать,

Уча его любить, страдать, прощать, молчать.

Русский поэт Яков Полонский посвятил эти замечательные строки 100 лет спустя после написания портрета Марии Лопухиной художником В.Боровиковским.

Портрет Марии Лопухиной явился одним из самых жизненных и удачных портретов Боровиковского, в том смысле, что действительно ему удалось передать непосредственный человеческий облик этой юной женщины, что-то живое и магнетически-притягательное, и вместе с тем драматическое в ее лице и взгляде. Особенно во взгляде. Боровиковский, в числе некоторых других живописцев (Федор Рокотов, Дмитрий Левицкий) овладел техникой “писать взгляд”, не просто пустые глаза, но со смыслом, с внутренним выражением. Лопухина смотрит на зрителя задумчиво, но и слегка рассеянно, как бы погруженная в свои мысли, в свою душевную жизнь. И чувствуется в ее живом одухотворенном лице, что эта девушка красива не только внешней красотой, но обладает и умом и сердцем. Всё это художник сумел отразить в портрете, он вложил часть своей души в своё произведение. Ко всему можно прибавить, что портрет технически совершенен с точки зрения навыков живописи - Боровиковский владел техникой “лессировочного” письма. То есть, через верхние красочные слои живописи просвечивают нижележащие слои. Это придает особую нарядность, особую красочность колориту. Портрет вообще красив по цветовому строю. Колорит и его цветовая гамма гармонично строятся на сочетании блеклых, нежных тонов. Это выражено и в цвете пейзажного фона задника, в его нежно-салатовых тонах, и в нежно-лиловом цвете шали, и в голубом цвете пояса, повязанного на талии, и в белом платье Лопухиной. Но это всё детали, хотя и очень важные. Главное, что художник сумел наполнить образ своей модели жизненной достоверностью, глубиной чувств и необычайной поэтичностью.

Однако во времена Пушкина портретом Марии Лопухиной пугали молодых девушек, так как она прожила жизнь короткую и несчастливую, а через три года после написания портрета умерла от чахотки. Что-то в этом многим виделось мистическое, как будто портрет забрал жизнь молодой женщины. Ее отец Иван Толстой был известным мистиком и магистром масонской ложи. Потому и поползли слухи, что де ему удалось заманить дух умершей дочери в этот портрет. И что если молодые девушки взглянут на картину, то вскорости умрут. По версии салонных сплетниц, портрет Марии погубил не меньше десяти дворянок на выданье. Конец слухам положил меценат Павел Третьяков, который приобрел портрет для своей галереи. С тех пор этим портретом восхищались не только современники, но и зрители следующих поколений.

Портрет Лопухиной долгое время находился в собрании родственников, он хранился у племянницы Марии - дочери её старшего брата Федора Толстого-”Американца”. Портрет высоко ценился как семейная реликвия. И именно в этом доме портрет и увидел Павел Михайлович Третьяков. Как ему удалось приобрести семейную реликвию, сейчас уже точно не узнать. Случилось это уже в конце 1880-х годов и именно тогда картина и попала в собрание Третьяковской галереи. Надо сказать, что Павел Третьяков купил сравнительно немного работ Боровиковского, но портрет Лопухиной среди них настоящая жемчужина. Когда посетители Третьяковки приходят в зал Боровиковского, то сразу обращают на него внимание. Портрет практически никогда не покидает стены галереи. Он побывал всего на двух выставках, да и то в пределах Москвы. Многие зрители приходят в Третьяковку полюбоваться именно портретом Марии Лопухиной. В облике молодой дамы столько обаяния, магнетизм её взгляда притягивает любителей и ценителей живописи. Присутствует в этом портрете и некая загадка, тайна, которую до конца невозможно постичь.

[ss-kostenko 5655 14664]

Смахну лёгкую паутину забвения с интереснейшей темы

Секреты фрески Леонардо да Винчи "Тайная вечеря"

Леонардо да Винчи – самая загадочная и неизученная личность прошлых лет. Кто-то приписывает ему божий дар и причисляет к лику святых, кто-то, напротив, считает его безбожником, продавшим душу дьяволу. Но гений великого итальянца неоспорим, поскольку все, к чему когда-либо прикасалась рука великого живописца и инженера, моментально наполнялось скрытым смыслом.Секреты фрески Леонардо да Винчи "Тайная вечеря"

Леонардо да Винчи – самая загадочная и неизученная личность прошлых лет. Кто-то приписывает ему божий дар и причисляет к лику святых, кто-то, напротив, считает его безбожником, продавшим душу дьяволу. Но гений великого итальянца неоспорим, поскольку все, к чему когда-либо прикасалась рука великого живописца и инженера, моментально наполнялось скрытым смыслом. Сегодня мы поговорим о знаменитом произведении «Тайная вечеря» и множествах секретов, которые оно скрывает.

Местоположение и история создания

Знаменитая фреска находится в церкви Санта-Мария-делле-Грацие, расположенной на одноименной площади Милана. А точнее, на одной из стен трапезной. Как утверждают историки, художник специально изобразил на картине точно такие же стол и посуду, какие были на тот момент в церкви. Этим он пытался показать, что Иисус и Иуда (добро и зло) гораздо ближе к людям, чем кажется.

Заказ на написание произведения живописец получил от своего патрона - миланского герцога Людовико Сфорца в 1495 году. Правитель славился распутной жизнью и с юных лет был окружен юными вакханками. Ситуацию нисколько не меняло наличие у герцога прекрасной и скромной жены Беатриче д’Эсте, которая искренне любила супруга и в силу своего кроткого нрава не могла перечить его образу жизни. Надо признать, что Людовико Сфорца искренне почитал свою жену и был по-своему к ней привязан. Но истинную силу любви распутный герцог ощутил только в момент скоропостижной кончины своей супруги. Скорбь мужчины была столь велика, что он на 15 дней не покидал своей комнаты. А когда вышел, то первым делом заказал Леонардо да Винчи фреску, о которой некогда просила его покойная супруга, и навсегда прекратил все развлечения при дворе.

Тайная вечеря в трапезной

Произведение было выполнено в 1498 году. Его размеры составили 880 на 460 см. Многие ценители творчества художника сошлись во мнении, что лучше всего «Тайную вечерю» можно рассмотреть, если отойти на 9 метров в сторону и приподняться 3,5 метров вверх. Тем более, что посмотреть есть на что. Уже при жизни автора фреска считалась его лучшим произведением. Хотя, назвать картину фреской было бы неправильным. Дело в том, что Леонардо да Винчи писал произведение не на мокрой штукатурке, а на сухой, чтобы иметь возможность редактировать ее несколько раз. Для этого художник нанес на стену толстый слой яичной темпры, которая впоследствии сослужила дурную службу, начав разрушаться всего через 20 лет после написания картины. Но об этом - чуть позже.

Идея произведения

«Тайная вечеря» изображает последний пасхальный ужин Иисуса Христа с учениками-апостолами, состоявшийся в Иерусалиме накануне его ареста римлянами. Согласно писанию, Иисус сказал во время трапезы, что один из апостолов предаст его. Леонардо да Винчи постарался изобразить реакцию каждого из учеников на пророческую фразу Учителя. Для этого он ходил по городу, говорил с простыми людьми, смешил их, расстраивал, обнадеживал. А сам при этом наблюдал за эмоциями на лицах. Целью автора было отображение знаменитого ужина с чисто человеческой точки зрения. Именно поэтому он изобразил всех присутствующих в ряд и никому не пририсовал нимба над головой (как это любили делать другие художники).

Интересные факты:

Вот мы и дошли до самой интересной части статьи: секретов и особенностей, скрытых в произведении великого автора.

1. Как утверждают историки, сложнее всего Леонардо да Винчи далось написание двух персонажей: Иисуса и Иуды. Художник старался сделать их воплощением добра и зла, поэтому долго не мог найти подходящих моделей. Однажды итальянец увидел в церковном хоре юного певчего – настолько одухотворенного и чистого, что сомнений не осталось: вот он – прототип Иисуса для его «Тайной вечери». Но, несмотря на то, что образ Учителя был написан, Леонардо да Винчи еще долго корректировал его, считая недостаточно совершенным.

Последним ненаписанным персонажем на картине оставался Иуда. Художник часами бродил по самым злачным местам, выискивая среди опустившихся людей модель для написания. И вот, почти через 3 года ему повезло. В канаве валялся абсолютно опустившийся тип в состоянии сильного алкогольного опьянения. Художник приказал привести его в мастерскую. Мужчина почти не держался на ногах и не соображал, куда он попал. Однако, уже после того, как образ Иуды был написан, пьяница подошел к картине и признался, что уже видел ее раньше. На недоумение автора человек ответил, что три года назад он был совсем другим, вел правильный образ жизни и пел в церковном хоре. Именно тогда к нему подошел какой-то художник с предложением написать с него Христа. Так, согласно мнению историков, Иисус и Иуда были списаны с одного и того же человека в разные периоды его жизни. Это еще раз подчеркивает тот факт, что добро и зло идут так близко, что иногда грань между ними неощутима.

Кстати, во время работы Леонардо да Винчи отвлекал настоятель монастыря, который постоянно торопил художника и утверждал, что тот должен сутками писать картину, а не стоять перед ней в раздумьях. Однажды живописец не выдержал и пообещал настоятелю списать с него Иуду, если тот не перестанет вмешиваться в творческий процесс.

2. Самым обсуждаемым секретом фрески является фигура ученика, расположившегося по правую руку от Христа. Считается, что это не кто иной, как Мария Магдалина и ее месторасположение указывает на тот факт, что она была не любовницей Иисуса, как это принято считать, а его законной женой. Этот факт подтверждает буква «М», которую образуют контуры тел пары. Якобы она означает слово «Matrimonio», которое в переводе означает «брак». Некоторые историки спорят с этим утверждением и настаивают, что на картине проглядывается подпись Леонардо да Винчи - буква «V». В пользу первого утверждения выступает упоминание о том, что Мария Магдалина омывала ноги Христу и вытирала их своими волосами. Согласно традициям, сделать это могла только законная жена. Более того, считается, что женщина на момент казни мужа была беременной и родила впоследствии дочь Сару, которая положила начало династии Меровингов.

3. Некоторые ученые утверждают, что необычное расположение учеников на картине неслучайно. Дескать, Леонардо да Винчи разместил людей по… знакам зодиака. Согласно этой легенде, Иисус был козерогом, а его возлюбленная Мария Магдалина – девой.

4. Нельзя не упомянуть тот факт, что во время бомбежки во время Второй мировой войны снаряд, попавший в здание церкви, разрушил почти все, кроме стены, на которой была изображена фреска. Хотя, сами люди не только не берегли произведение, но и поступали с ним поистине варварски. В 1500 году потоп в церкви нанес картине непоправимый ущерб. Но вместо того, чтобы отреставрировать шедевр, монахи в 1566 году проделали в стене с изображением «Тайной вечери» дверь, которая «отрезала» ноги персонажам. Чуть позже над головой Спасителя повесили миланский герб. А в конце 17 века из трапезной и вовсе сделали конюшню. И без того полуразрушенная фреска покрылась навозом, а французы соревновались друг с другом: кто попадет кирпичом в голову одного из апостолов. Однако были у «Тайной вечери» и поклонники. Французский король Франциск I настолько был впечатлен произведением, что всерьез задумывался над тем, как перевезти его к себе домой.

5. Не менее интересны размышления историков о еде, изображенной на столе. К примеру, возле Иуды Леонардо да Винчи изобразил опрокинутую солонку (которая во все времена считалась плохой приметой), а также пустую тарелку. Но самым большим предметом для споров до сих пор является рыба на картине. Современники до сих пор не могут сойтись во мнении, что нарисовано на фреске - сельдь или угорь. Ученые считают, что эта неоднозначность неслучайна. Художник специально зашифровал в картине скрытый смысл. Дело в том, что по-итальянски «угорь» произносится как «аринга». Добавляем еще одну букву, получаем совсем другое слово – «арринга» (наставление). В то же время слово «сельдь» произносится в северной Италии как «ренга», что означает в переводе «тот, кто отрицает религию». Для атеиста ближе второе толкование.

Как видите, в одной единственной картине скрыто множество тайн и недосказанности, над раскрытием которых борется не одно поколение. Многие из них так и останутся неразгаданными. А современникам останется лишь строить догадки и повторять шедевр великого итальянца в красках, мраморе, песке, стараясь продлить жизнь фрески.

[vodonika 3820 34714]

С ФБ

Густав Климт. ПОЦЕЛУЙ. 1907—1908г. Галерея Бельведер, Вена.

Вернёмся к творчеству Густава Климта широко известного австрийского художника, основоположника модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм.

Наиболее известной его работой ЗОЛОТОГО ПЕРИОДА является "ПОЦЕЛУЙ" (1907—1908).

Популярность картин этого времени, и «Поцелуя» в том числе, связана не в последнюю очередь с применением художником сусального золота в качестве цвета. Золото с незапамятных времён вызывает магические, религиозные ассоциации в равной мере с чувством материальной ценности, значимости.

Версии о написании картины.

Однажды некий граф, заказал Густаву Климту картину для своей возлюбленной. Для написания женского образа художник получил медальон, на котором была во всем великолепии представлена девушка, невеста графа. Условием графа было, чтобы он и девушка были изображены на картине в страстном поцелуе. Климт исполнил заказ графа.

И граф остался доволен, но его мучил один вопрос - почему на картине их уста не сомкнулись-таки в страстном поцелуе.Когда он задал этот вопрос художнику, Климт ответил, что он попробовал изобразить желание, настроение, атмосферу, т.е. тот мотив, который в миг самого поцелуя бросит их в бездну любовного наслаждения. Картина так понравилась девушке, что через некоторое время граф уже уезжал со своей молодой женой в свадебное путешествие, потому что увидев картину она сразу дала согласие на брак с графом.

Позже Климт раскрыл тайну "Поцелуя": когда художник писал картину, он сам влюбился в девушку с медальона и поэтому изобразил томительное ожидание поцелуя вместо самого поцелуя. Это была маленькая месть, из чувства ревности к графу.

О КАРТИНЕ

На картине на краю цветочной поляны, в золотой ауре, стоят полностью погружённые друг в друга, отгороженные от всего мира влюблённые. Из-за неопределённости места происходящего кажется, что изображённая на картине пара переходит в неподвластное времени и пространству космическое состояние. Полное уединение и повёрнутое назад лицо мужчины лишь подчеркивают впечатление изоляции и отрешённости по отношению к наблюдателю.
Ореол, окружающий слившихся воедино в поцелуе, определяется мужчиной, который своей спиной формирует его очертание.

От мужчины исходит вся энергия полотна. Это он обхватил своими руками голову женщины и повернул её к себе, чтобы поцеловать в щёку. В противоположность мужчине, женщина изображена на картине в пассивной роли. Она стоит преклонив колени — явный символ подчинённости.

Художник выбирает для картины свой любимый квадратный формат, игнорируя при этом глубину пространства и горизонт. Тем самым он выводит сцену за пределы реальности и придает самому "акту" поцелуя вселенский масштаб. Орнаментальные детали несут не только декоративную, но и смысловую нагрузку.

В частности, прямоугольники на одеянии мужчины суть фаллические символы, а спирали, крути и овалы, запечатленные на одеянии его возлюбленной, являются художественными знаками женских гениталий. Собранные в художественное целое, они выражают идею слияния двух начал не менее энергично, чем сам поцелуй.

«Поцелуй», наверное, самое целомудренное произведение Климта. Художник, многие полотна и рисунки которого заполняют обнаженные женские фигуры, изображенные в весьма смелых позах, и который не раз шокировал современников пряной чувственностью своих работ, написал любовную сцену, не только не обнажив, но старательно задрапировав героев.

Свой излюбленный прием – объемную моделировку открытых частей тела на плоском орнаментальном фоне – он доводит в «Поцелуе» до крайности: две головы, кисти мужских и женских рук, ступни женщины – вот все, что нам открыто и, несмотря на яркое богатство орнаментики, неустанно приковывает наш взгляд.

В своих композициях (исключая, конечно, портреты) Климт редко сосредоточивается на лице: для него важнее поза, жест. Так и в «Поцелуе»: стоящая на коленях женщина с самозабвенно откинутой к плечу головой и закрытыми глазами – олицетворение покорности и вместе с тем отрешенности, почти религиозного экстаза.

Мы не видим лица мужчины, но в решительном наклоне его головы, в трепете чутких пальцев, касающихся лица подруги, ощущается вся сила нарастающей страсти. Картина считается автобиографичной: большинство исследователей улавливает в лице женщины сходство с возлюбленной Климта Эмилией Флёге. Роман живописца с Эмилией Флёге, известной художницей-модельером, продолжался 27 лет и, несмотря на многочисленные увлечения любвеобильного Климта, стал главным в его жизни.

Конечно, было бы слишком прямолинейным отождествлять мужскую фигуру с автором картины, но, несомненно, глубоко личное переживание художника питает эту работу. Женское начало представлено в «Поцелуе» мягким и жертвенным, что для Климта необычно.

«Поцелуй» можно назвать «формулой любви»: многие веками хранящиеся в памяти человечества метафоры нашли в этой картине простое и точное пластическое выражение: золотое сияние счастья, цветущая земля, ставшая для влюбленных раем, Вселенная, в которой нет никого и ничего, кроме этих двоих, мгновенье длинною в вечность… Своим целомудрием и искренностью картина сразу же завоевала сердца взыскательной венской публики.

Ею были покорены и те, кто прежде упрекал Климта в «болезненном эротизме» и «манерности». Судьба «Поцелуя» сложилась счастливо: на выставке 1908 года картину ждал триумф. Экспозиция еще не закрылась, а она уже была куплена Современной галереей (впоследствии Австрийская галерея Бельведер).

[Polly 676 8274]

О картине Пукирева " Неравный брак"

На самом деле жених был старше на 13 лет. Художрик сгустил краски.

 

В 2002 году в Государственную Третьяковскую галерею от родственников Пукирева поступили материалы, свидетельствующие о том, что в основу работы над картиной «Неравный брак» был положен действительный факт, связанный с другом В.В.Пукирева, купцом Сергеем Михайловичем Варенцовым.

   В 1860 году, за два года до создания картины «Неравный брак», в церкви Трёх Святителей на Кулишках венчался московский купец Андрей Александрович Корзинкин с дочерью богородского купца Софьей Николаевной Рыбниковой. Жениху было 37 лет, невесте — 24 года.

Не мудрено, что родители невесты предпочли влюблённому в их дочь 27-летнему купцу С.М. Варенцову более богатого и известного в торгово-промышленном мире жениха. Красавец же Варенцов был на свадьбе лишь шафером. Объяснить этот странный поступок Сергея Михайловича может то обстоятельство, что его старший брат был женат на сестре Корзинкина. Это весьма угнетало Сергея Михайловича, и он поделился своими переживаниями с Пукиревым.

Это нашло своё отражение В картине. Шафером, стоящим со сложенными на груди руками, был Варенцов, портрет которого, написанный маслом, с давних пор хранился в мастерской. Невесту Пукирев писал с Прасковьи Матвеевны Варенцовой.она происходила из знатного рода и была внучатой племянницей княгине Ольге Мироновне Щепиной-Ростовской.Это была его давняя любовь.

Из-за картины между Варенцовым и Пукиревым произошла крупная ссора, когда купец увидел на ней своё изображение. Он готовился к свадьбе с Ольгой Урусовой и возмутился, что художник поведал всем о его тайне. Пукирев вынужден был приделать маленькую бородку шаферу, оставив все черты лица без изменения. Внешне они походили друг на друга, и теперь можно было сказать, что Пукирев изобразил на картине себя.

Так вместе и оказались на полотне Прасковья  Варенцова и Василий Пукирев.Только здесь они смогли быть вместе.

   Молодому преподавателю московского училища живописи и ваяния, было 30 лет. Он мечтал о семье. Трудно сказать, когда Пукирев сделал предложение Прасковье Матвеевне. Одно очевидно: едва родители её узнали об этом, они поспешили выдать дочь за известного и богатого человека их круга. Он был намного старше Прасковьи Матвеевны.

Прасковья Варенцова похоже, всю жизнь хранила любовь к Пукиреву, иначе не стала бы рассказывать на старости лет незнакомому художнику, что когда-то позировала для картины «Неравный брак».

Какова же судьба людей,связанных с этой картиной?

   В 2002году В Третьяковскую галерею поступил портрет,сделанный в 1907 году, на котором написано: «Прасковья Матвеевна Варенцова, с которой 44 года назад художник В.В.Пукирев написал свою известную картину "Неравный брак". Госпожа Варенцова живёт в Москве, в Мазуринской богадельне». Да, Варенцова доживала свою старость в богадельне. Молва же, гуляющая по Москве, гласила, что молодой красавицей её выдали замуж за богатого человека, он скоро умер, но к своему любимому, художнику Пукиреву, она так и не вернулась. Верить ли этой молве?

   Брак Купца Корзинкина с Софьей Рыбниковой оказался удачным. Через год у молодых родилась дочь Елена, затем два сына. Дочь, повзрослев, окончила Училище живописи и ваяния, стала художницей . Старший сын, Александр, также был неравнодушен к живописи и, повзрослев, сдружился с П.М.Третьяковым. Таким образом, к идее, заложенной в основу картины, венчание Корзинкина и Рыбниковой не имело никакого отношения.

 Трагедию Варенцова или свою собственную изобразил художник в картине?...

    Пукирев же так и не обзавёлся семьёй. Что-то будто сломалось в нём. Дела не ладились. Удача отвернулась от него. Он писал новые картины, но они не находили покупателя. Пукирев запил, прекратил преподавать в училище, распродал свою коллекцию картин, потерял квартиру, жил на подачки друзей и умер в безвестности 1 июня 1890 года. Так, написав на картине чужую судьбу, он будто предсказал свою.

      Картина"Неравный брак" никого не оставляет равнодушным. Репин писал о её особом воздействии: «"Неравный брак" Пукирева… говорят, много крови испортил не одному старому генералу». А историк Н.Костомаров признался друзьям, что, увидев картину, отказался от намерения жениться на молодой девушке.

Бледна, едва дыша, потупив очи,
Держа свечу дрожащею рукой,
Стоит невеста. Чист и непорочен
Прелестный лик. С подавленной тоской
Протянута рука навстречу року
В обличье обручального кольца,
Готового сковать её без сроку
Веригами постылого венца
Со сластолюбцем – сморщенным Кащеем
Обласканным судьбою и царём;
Сияет крест Владимира на шее,
И чин, и власть, и деньги – все при нём.
Сейчас священник, в ризу облачённый,
Надев кольцо на полудетский перст,
Захлопнет дверцу клетки золочёной.
Бедняжка! В ней нести тебе свой крест.
Твой милый здесь же, близко – за тобою,
Но вам не быть с ним мужем и женой.
Как много вас, униженных судьбою,
С немилыми обходят аналой!(Г.Солодилов)

[Пушистая 8185 65183]

"Дама с горностаем" Леонардо да Винчи

 

 

На мой взгляд, одна из самых красивых леонардовских дам! Как обычно, полезла в интернет, чтобы узнать о картине побольше... Надеюсь, никто не будет против, если я не скопирую сюда целиком странички, а напишу своими словами?

Оказывается, авторство Леонардо здесь несколько относительно - картина многократно переписывалась и им самим и его многочисленными учениками и последователями. Даже автограф Леонардо в левом верхнем углу выполнен чужой рукой! 

 

Лицо дамы в первоначальных вариантах было прикрыто вуалью, была изменена ее прическа, платье с накидкой и правая рука, фон был предположительно синий и за спиной дамы находилось окно. Даже с горностаем все оказалось неоднозначно; при спектральном анализе высветились варианты с более мелким серым зверьком и даже вовсе без него.

Если даже с авторством вопрос сложный, с моделью еще тяжелее, да и горностая некоторые исследователи считают просто хорьком. Есть даже версия, что это "блошинный мех" - в те годы это чучело, призванное защищать свою хозяйку от нападения насекомых.

Но я поддерживаю сторонников горностая, поскольку именно из-за этой символики считается, что это портрет Чечилии Галлерани - официальной любовницы герцога Миланского Лодовико Сфорца. Во-первых, горностай (гале) - созвучно с Галлерани, такая игра слов была очень популярна в те времена. Во-вторых Сфорц был членом Ордена Горностая. В-третьих, горностай был символом власти, чистоты и целомудрия и существует версия, что Чечилия в период написания портрета была беременна - прикрывающий живот горностай символизирует, что вынашивание бастарда в те времена было не позором, а честью.

Есть версия, что образованная и властная Чечилия долго умудрялась держать влиятельного герцога (горностая) в своих руках.

Кто вообще такая, эта Чечилия? Она родилась в большой семье в Сиене. Ее отец Фацио занимал несколько приличных должностей в миланском суде и был послом во Флоренции. Вместе со своими братьями Чечилия изучала латинский язык и литературу и была очень образована для своего времени. В 10 лет девушка была помолвлена, но по неизвестным причинам помолвка была расторгнута, после чего Чечилия уходит в монастырь Нуово и - от судьбы не убежишь! - там встречает своего герцога Сфорца. В 1491 года она родила ему сына Чезаре, но Лодовико вступает в брак с некой Беатриче д'Эсте.

После женитьбы Лодовико Чечилия какое-то время продолжает жить в его замке, хотя к этому времени у него уже появилась новая фаворитка — Лукреция Кривелли. Потом законная жена Беатриче умирает и умная и хитрая Чечилия заводит доверительные отношения с любовницей Лодовико, Лукрецеей, и становится законной женой герцога (вот где была Санта-Барбара!) После свадьбы с Людовико рожает мужу еще четырех детей.

В бытность замужней дамой Чечилия знакомится с Леонардо, они ведут философские беседы и вместе посещают встречи миланских интеллектуалов... Он начинает писать ее портрет. Сохранился черновик письма Леонардо к Чечилии, где он называет ее "возлюбленная моя богиня" и обращается на ты - в те времена даже друзья и супруги были на вы, т.ч. это косвенно свидетельствует об интимной связи между ними (О, времена, о, нравы!....) Но в тоже время достоверные свидетельства об интересе Леонардо к женщинам отсутствуют (без комментариев....)

Уже третье столетие "Дама с горностаем" находится в Кракове, это единственное произведение да Винчи на территории Польши и составляет предмет ее национальной гордости. Ее берегли и скрывали во время волнений и войн, она все-таки была похищена нацистами, потом попала в личную коллекцию генерал-губернатора Польши, но в 1946 благополучно возвращена польскому народу.

В 2004 поляки сняли детективную комедию о вымышленной краже этой картины, которую русские прокатчики назвали "Ва-банк-3".

 

Дизайн "Дама с горностаем" нам предлагают вышить "Золотое Руно", "Панна", "Искусница", но на мой взгляд, такие шедевры должны вышиваться исключительно в формате дзена

[Norakin 2 27]

В 14.01.2012 в 11:26, Solga1 сказал:

А вот для тех, кому понравилась эта картина, - небольшое дополнение:

 

http://heavenandearthdesigns.com/index.php...roducts_id=4830

 

 

Боженьки, никогда не думала, что позарюсь на ХАЕД, но это же просто чудо!

[Надежда Минск 6410 58899]

В 29.03.2018 в 00:48, Norakin сказал:

Боженьки, никогда не думала, что позарюсь на ХАЕД, но это же просто чудо!

Вот еще один вариант для выбора: 

 

http://fondu4ok.com/ru/store/topics-and-genres/genre-scene/salon-historical-paintings/151-lady-godiva/